Live Report

Calibro 35 “Traditori di tutti” Release Party @ Santeria, Milano 20/10/2013

Sotto il cielo cupo di una uggiosa domenica milanese, in un’atmosfera degna del miglior romanzo noir, mi dirigo verso la Santeria, location scelta dai Calibro 35 per presentare il nuovo progetto discografico Traditori di tutti (in uscita il 21 ottobre per l’etichetta Record Kicks) e promuovere il nuovo tour che, oltre alle date italiane, li vedrà protagonisti in diverse tappe europee. Il programma dell’evento è in perfetto stile Calibro, a cominciare dalla locandina dell’evento, sublime citazione al film Banditi a Milano dell’immenso Carlo Lizzani (drammaticamente scomparso lo scorso 5 ottobre). Si parte alle 16:30 con la proiezione di Milano Calibro 9, cult movie firmato Fernando di Leo (omaggiato dagli stessa band nel videoclip del nuovo singolo Giulia Mon Amour ) si prosegue con lo show case della band per poi concludere la giornata con un djset funk/soul curato dallo staff della Record Kicks.

Una volta arrivati ci si rende immediatamente conto dell’esigua capienza del posto rispetto all’elevato numero di persone accorse, gli stessi Calibro nei ringraziamenti sui social successivi al release party, si scuseranno con chi non sarà riuscito ad entrare, a causa di un livello di affluenza letteralmente sottovalutato.

Così, verso le 19:00, in un ambiente, come dire, molto intimo (per mancanza di spazio) e caldo (per mancanza di ossigeno), Enrico Gabrielli, Massimo Martellotta, Luca Cavina, Fabio Rondanini fanno il loro ingresso tra i forti applausi dei presenti. Qualche accenno introduttivo di Enrico ed inizia con Prologo uno show case che riproporrà dal vivo dieci delle dodici tracce presenti in Traditori di tutti.

Il groove travolgente emesso dalla band milanese fa immediatamente dimenticare ogni difficoltà respiratoria o di equilibrio tra il numeroso pubblico in sala. L’atmosfera è distesa, la band si diverte e fa divertire tutti raccontando , tra una sessione e l’altra, con sottile umorismo e numerosi aneddoti, la creazione del progetto Traditori di tutti, un album che trova la sua genesi direttamente tra le righe dell’omonimo libro di Scerbanenco, l’unico della quadrilogia di Duca Lamberti a non essere stato riadattato cinematograficamente.

Proprio da questo dettaglio nasce l’esigenza della band di creare un vestito sonoro ad un romanzo noir tra i migliori dell’autore di origine ucraina. Più che di concept album, si potrebbe parlare di una library con pezzi che traggono spunto direttamente dagli episodi presenti nel romanzo, interpretabili e riadattabili anche per qualsiasi altro contesto. Come ironicamente ci spiega Enrico: “Giulia Mon Amour  nasce per una scena che prevede un inseguimento notturno per le vie del centro ma ascoltandola potrebbe tranquillamente essere utilizzata in una scena di squartamento”, come dargli torto. Lo show case prosegue con Traitors, You Filthy Bastards!,One Hundred Guests, Two Pills in the Pocket. Sonorità funk, jazz, fusion si propagano rapidamente nella piccola sala arrivando spesso a toccare derive prog , fuzz o psych, grazie anche all’innesto di nuove strumentazioni come mellotron, l’organo Philicorda e dulcitone che vanno a completare gli arrangiamenti dei dodici brani tutti inediti presenti nel disco. Con Traditori di Tutti viene a consolidarsi quel processo di maturazione già innescatosi nella soundtrack di Said , dove i differenti tratti stilistici compositivi della band , dall’ala funk-based a quella più legata al free jazz o all’improvvisazione, si fondono quasi naturalmente trovando nuovi assetti e molteplici sfumature in nuove composizioni che riescono a spaziare dalla giocosità del pezzo beat o freak-beat più ballabile alle ricadute acide di brani dalle sessioni ritmiche al cardiopalma chiamati a far da cornice ad efferati omicidi compiuti in una Milano criminale,nei pressi del Naviglio Pavese dove, ironia della sorte, ha  sede lo studio di registrazione di Tommaso Colliva (produzione Muse, Afterhours). Sarà proprio lui l’ultimo ad intervenire raccontandoci le motivazioni che l’hanno spinto a voler registrare i Calibro proprio nel suo piccolo studio per la prima volta dopo anni di collaborazione: “la sfida é nata dopo aver visitato lo studio della Dapton Records a New York ed era letteralmente piccolo quanto il mio. Mi son detto cavolo, se gente come Sharon Jones ed Amy Winehouse è riuscita a far nascere dischi del genere da uno studio così piccolo allora dobbiamo farcela anche noi”. Poi conclude: “E’ stato molto buffo perché per andare a spostare un solo cavo ci pestavamo letteralmente i piedi l’uno con l’altro, abbiamo dovuto spostare il pianoforte nell’altra stanza per starci tutti, devo dire che è stato molto divertente”. Lo show case si conclude con Stainless Steel, forse il brano più riuscito dell’ album per intensità, potenza d’impatto e quel giro distorto di basso che tanto ricorda le cruente contaminazioni funk/alt-rock targate RATM.

Show case terminato, la Santeria si svuota lentamente, giusto il tempo per due chiacchiere dei presenti con la band e qualche disco autografato. Tante ritrovate certezze ed una fondamentale novità,  i Calibro 35 con quest’ultima opera voltano definitivamente le spalle a chi attendeva l’ennesimo album tributo alla grande tradizione del poliziottesco italiano. Tradiscono si, ma lo fanno nel più dolce dei modi.

SETLIST

Prologo

Giulia mon amour

Traitors

You, filthy bastards!

One hundred guests

Two pills in the pocket

Mescaline

Vendetta           

The butchers’s bride

ENCORE

Stainless steel


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Live Report

Toy @ Indie Summer Party, Circolo Magnolia - Milano, 23 Luglio 2013


L’indie summer party al Circolo Magnolia stasera ospita i Toy, quintetto londinese introdotto dagli amici Horrors e proposto come gruppo spalla durante il loro ultimo tour. Al fianco di S.C.U.M e Chapel Club, i Toy sono riusciti a ritagliarsi nel tempo un sempre più ampio seguito incrementato soprattutto dall’omonimo disco d’esordio, uscito per la Heavenly Records, un ottimo debutto nella nuova inflazionata e magmatica scena musicale shoegaze, post-punk, indie-rock britannica nella quale è sempre molto difficile emergere senza correre il rischio di risultare fin troppo ripetitivi o “già sentiti”, per non parlare poi dell’accanita concorrenza. Un rischio che i Toy hanno sicuramente scongiurato risultando una delle migliori novità musicali dello scorso anno. Nonostante le ottime premesse, nella data di Milano si è dovuto fare i conti con la realtà dei fatti. Il ritorno dei Toy in Italia dopo un mini tour invernale non è stato accolto dal pubblico milanese nel migliore dei modi. Circa una settantina di presenti (inclusi i barman e la sicurezza) hanno popolato l’ampia area antistante il secondo palco del circolo creando un impatto visivo non proprio indimenticabile. Cifre ingiustificatamente esigue, considerando la notevole qualità di una band addirittura definita “the next big thing” della nuova scena indipendente inglese. Un vero peccato considerando oltretutto l’entusiasmo comunicato attraverso i canali social ufficiali dove i cinque ragazzi si dicevano “Very excited to be playing Milan tonight at Magnolia”, ma vi assicuro che di eccitante, a parte le copiose ed inopportune punture di zanzare, c’è stato ben poco. Nulla da ridire assolutamente sulla qualità del loro live. Anche se durato solo un’ora e qualche minuto, il concerto ha colpito per impatto sonoro e precisione d’esecuzione. Preceduti dai Quincey e Le Case del Futuro, Tom Dougall e compagni sono on stage puntuali alle 22:00 ed aprono con Colours Running Out facendo subito intendere ai presenti di che pasta è fatta la band londinese. Armonie alienanti, condite da synth stratificati e mescolati a chitarre elettriche riverberate e distorte vengono accompagnate dalla voce penetrante e monocorde di Dougall che con il suo apporto timbrico arricchisce ed impreziosisce i brani spingendo le sessioni shoegaze verso derive kraut-rock e new-wave. Si prosegue con Left Myself Behind, cavallo di battaglia nonché singolo che ha lanciato i Toy lo scorso anno, e Dead and Gone brano di rara potenza strumentale con il finale in crescendo che ha permesso a quel treno chiamato Charlie Salvidge di esaltarsi in un drumming incalzante e frenetico lasciando letteralmente a bocca aperta i presenti. Il concerto prosegue, senza troppe pause, senza troppe riverenze, le poche parole in cockney stretto da parte di Dougall si limitano semplicemente ad introdurre i brani prima della loro esecuzione. E’ la volta di Motoring e del suo loop continuo di chitarre acide a tratti orchestrali valorizzate dalle tastiere di Aleandra Diez che riescono a dare al brano quel tocco di perdizione in più. Lo stesso vale per l’ipnotico giro di basso eseguito da Maxim Barron nella cupa strumentale Drifting Deeper. Il concerto si chiude con la mastodontica Kopter ed i suoi dieci minuti di frastornante wall of sound che proietta tutti in una devastante session shoegaze e noisy finale. A questo punto è naturale aspettarsi una encore ma la band risale sul palco quasi subito solo per smontarsi gli strumenti ed andarsene freddamente sparendo nel backstage tra l’imbarazzo generale del pubblico. Che sia a causa del malumore per il mezzo flop della serata o proprio questione di attitudine non è facile spiegarlo. L’unica cosa certa è che la scaletta non è stata delle migliori, grandi assenti della serata brani come Lose my Way o The reasons why, solo per citarne alcuni, avrebbero sicuramente meritato qualche minuto di concerto in più. In conclusione una esibizione che lascia fortemente l’amaro in bocca ma che conferma le immense potenzialità di una band che ci auguriamo non diventi l’ennesima cometa nella fin troppo popolata galassia indie britannica.

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Live Report

Tame Impala live @ Un Altro Festival, Circolo Magnolia - Milano, 10 Luglio 2013 

Il burrascoso cielo sopra Milano non sembra riservare le migliori delle accoglienze per i ritrovati Tame Impala, tornati nella capitale lombarda dopo il sold out dei Magazzini Generali lo scorso ottobre. La band australiana si presenta questa volta da headliner nella seconda e conclusiva serata di “Un Altro Festival” manifestazione organizzata da Comcerto che ha visto affacciarsi sui due palchi allestiti al Circolo Magnolia prestigiose promesse della scena indipendente nazionale ed internazionale come Daughters, Willy Mason, Matinée, Hot Gossip, Orange, Melody’S Echo Chamber, Deap Vally e Local Natives oltre alle due teste di serie Lumineers e Tame Impala per l’appunto. 
Una interessante rassegna musicale, facilmente accessibile grazie al costo esiguo degli ingressi, praticamente al suo bagno inaugurale. E proprio ad un bel bagno erano pronti i numerosi presenti che, noncuranti delle precarie condizioni metereologiche che continuavano a minacciare la serena conclusione del festival, hanno popolato in massa lo stage principale pronti a dimenticare ogni misero turbamento terrestre e a farsi trascinare da quel groove psichedelico che in pochi anni ha colonizzato il mondo intero spingendosi oltre i confini più remoti di uno space rock all’altezza delle sonorità barrettiane più elaborate. 

Manca poco alle 23:00 e la band di Perth puntuale fa il suo ingresso sul palco. Un breve saluto e si parte con un trip sonoro di circa un’ora e mezza di voci riverberate, ritmi sincopati mescolati a vorticosi ed ipnotici giri di tastiere sintetizzate e chitarre fuzz che in pochi brani avvolgono letteralmente i presenti proiettandoli in nuove dimensioni degne della migliore musica immaginifica, il tutto ulteriormente accentuato da suggestivi ed acidi visual sparati alle spalle della band. 
Unica nota stonata, i volumi inizialmente troppo bassi che quasi vanno a strozzare l’imponente sound emesso dai cinque australiani, successivamente gradualmente alzati lasciando forti dubbi riguardo l’intenzionalità o meno della scelta acustica. Ad essere riproposti sono i pezzi di maggior successo estratti sia da ”InnerSpeaker” che da”Lonerirsm” come Why Won’t You Make Up Your Mind?,Solitude is Bliss, Music to Walk home by, Mind Mischiefintervallati in due riprese dalle massicce e psicotiche mini-session auto-prog 2 ed auto-prog 3 (come prima encore). 
Il concerto prosegue con Be Above It, Endors Toi, Half Full Glass Of Wine senza eccessive pause tra un brano e l’altro quasi a voler mantenere sempre costante quel mood lisergico e contaminato da kraut rock, dream-pop, elettronica e sprazzi di progressive perfettamente mashati fra loro costruendo un'unica armoniosa sessione sonora dal primo all’ultimo pezzo. 

Un timido e divertito Kevin Parker scambia verso metà concerto qualche battuta col pubblico e si arriva così all’attacco della travolgente Elephant che se fosse stata scritta verso il 71-72 avrebbe senza dubbio suscitato le invidie persino dei migliori Slade. Ma il momento topico giunge con l’esecuzione di Feels Like We Only Go Backwards. Non una sbavatura, come del resto tutto il concerto, suonata alla perfezione, quasi come se l’onda melodica abbattutasi sul pubblico fuoriuscisse direttamente dalla puntina posata sul proprio vinile, un notevole impatto sonoro sensibilmente potenziato dalla sottile pioggia che ha cominciato a cadere proprio durante l’esecuzione del brano, contribuendo a rendere l’atmosfera ancora più onirica, quasi surreale. Oscilly,Alter Ego, Apocalypse Dreams e ci si avvicina verso il finale. 
Tra il disappunto dei presenti Parker ringrazia tutti ed annuncia l’ultimo brano ma rassicura sorridente “Oh c’mon it’allright, it’s a big one” introducendo Nothing That Has Happened, come dargli torto. Concerto finito, si ritorna sulla terra e tutti a naso in su, ad osservare quel cielo sempre minaccioso e gonfio di nubi del quale ci si era totalmente dimenticati fino a qualche istante prima, complice uno di quei live che non dovrebbero mai avere una fine, proprio come i sogni più belli. 

Setlist : 
Why Won’t You Make Up Your Mind?
Music To Walk Home
Mind Mischief
Solitude Is Bliss
Half Full Glass Of Wine
Elephant
Auto Prog 2
Be Above It
Endors Toi
Feels Like We Only Go Backwards
Oscilly
Alter Ego
Apocalypse Dreams

Encore
Auto Prog 3
Nothing that Has Happened So Far Has Been Anything We Could Control 

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Live Review Museo Rosenbach + PFM @ Auditorium Parco della Musica, Cavea - Roma 25 giugno 2013

Dopo la strepitosa performance del Banco del Mutuo Soccorso e degli Osanna il palco dell’Auditorium Parco della Musica si ritinge di prog per ospitare questa volta il Museo Rosenbache la Premiata Forneria Marconi, altri due mostri sacri della migliore tradizione rock italiana chiamate a suonare nella seconda delle tre giornate di chiusura della venue capitolina “Per voi Giovani”, manifestazione dedicata allo storica trasmissione radiofonica di Renzo Arbore e Gianni Boncompagni su Radio2RAI dei primi anni 70, una delle poche oasi nel deserto per ragazzi sempre più affamati di nuove sonorità, in un' epoca in cui le radio libere erano ancora un remoto barlume di speranza e l’emittente statale trasmetteva in elevata percentuale musica ritenuta “alta” come il jazz o la classica. La manifestazione, caratterizzata da otto giorni di musica, dibattiti, mostre fotografiche, una rassegna cinematografica, è stata prodotta dalla Fondazione Musica per Roma su un progetto fortemente voluto da Francesco Coniglio e Claudio Rocchi. Proprio quest’ultimo è stato il grande assente dell’evento scomparso prematuramente all’età di 62 anni lo scorso 18 Giugno a causa di una malattia degenerativa. Gli amici del Museo Rosenbach e della PFM l’hanno sentitamente omaggiato dedicandogli le rispettive aperture di performance ricordandone con trasporto le grandi doti umane oltre ovviamente quelle artistiche. Sono le 21:00 e sale sul palco dell’Auditorium di Roma il ritrovato Museo Rosenbach, tornato ad esibirsi dal vivo dopo anni di assenza dalle scene, forti oltretutto della recente pubblicazione del un nuovo album inedito “Barbarica”(etichetta Immaginifica by Aereostella). “Lupo” Galifi, Giancarlo Golzi (batteria) e Alberto Moreno (tastiere e basso) sono accompagnati dai nuovi componenti Fabio Meggetto (tastiere), Sandro Libra e Max Borelli (chitarre) e Andy Senis (basso) per guidarci in una suite di 45 minuti circa in cui ci riproporranno quasi interamente“Zarathustra”, album storico che regalò il successo alla band nel ‘ 73, più l’inedito Il Re del Circo estratto da“Barbarica”. La band dimostra un fortissimo affiatamento, le estensioni vocali di Galifi, marchio di fabbrica della band, vanno ad amalgamarsi ad una macchina sonora perfettamente oleata quasi a celare la lunga assenza dai riflettori. Sessioni ritmiche dai continui cambi di velocità eseguiti alla perfezione, giri suggestivi di hammond e chitarre elettriche, un basso corposo e sensuale, conquistano letteralmente il pubblico affascinandolo e ricordando bene loro il significato del vero progressive rock italiano suonato nei primi anni ’70, un’arte musicale in cui non eravamo secondi a nessuno. Il punto più alto dell’esibizione viene raggiunto quando Galifi&co eseguono Superuomo ed il Tempio delle Clessidrebrani di chiusura tratti dalla gloriosa suite di Zarathustra(interamente riproposta). Dieci minuti di esaltanti atmosfere progressive che strappano un lungo meritato applauso a fine esecuzione da parte di un pubblico entusiasta. Il Museo Rosembach sentitamente ringrazia ed abbandona in grande stile lo stage dell’Auditorium Parco della Musica di Roma. Giusto il tempo per un rapido cambio di palco ed alle 22:00 si affaccia sul palco la Premiata Forneria Marconi, è subito delirio (incredibile il trasporto e l’affetto espressi dal pubblico verso la storica band milanese). Prende la parola Di Cioccio, gli animi si placano lasciando spazio ad un doveroso silenzio , viene introdotta Per un Amico dedicata proprio a Claudio Rocchi ed inizia un meraviglioso viaggio sonoro di circa un’ora e trenta (questi purtroppo i tempi d’esecuzione dettati dalla ferrea fondazione Musica per Roma) che ci accompagnerà attraverso tutta la brillante carriera della band. Rain Birth, River of Life, La Luna Nuova dedicata all’amico Faber, colpiscono dritto al cuore dei presenti regalando momenti di forte trasporto ed emozione. Una immensa nube armonica cala sul palco romano stregando letteralmente i presenti grazie alle improvvisazioni alla chitarra e le melodie vocali di Mussida, la precisione ed il calore del basso di Djivas, la dolcezza del violino di Lucio Fabbri e le tastiere di Alessandro Scaglione (validi innesti che innalzano ulteriormente il livello tecnico d’esecuzione), ad aggiungersi al gruppo un superbo Di Cioccio che col suo solito savoirfaire detta totalmente i tempi dello spettacolo, sia attraverso le sue brillanti sessioni ritmiche (ipnotico il duo alla batteria col brillante Roberto Gualdi), che intrattenendo il pubblico tra un brano e l’altro con i suoi aneddoti e la sua carismatica energia, un implacabile trascinatore. Si prosegue con Out on the Roundabout brano del ‘75 estratto dall’album ”Chocolate Kings” e Maestro della Voceimportante successo dell’80 cantato da Di Cioccio che segnò un’ importante svolta della band verso sonorità sempre più lontane dalle origini progressive, ma in grado comunque di conquistare grande consenso di pubblico e critica entrando di diritto nell’antologia della canzone rock italiana. Ma il momento più esaltante arriva con la tripletta killer finale.Impressioni di Settembre , La Carrozza di Hans e Celebration i brani evergreen tanto attesi dal pubblico romano. SuCelebration in particolare la band si esalta regalandoci cinque minuti di pura sessione adrenalinica conclusasi con una roboante standing ovation da parte dei presenti, tutti in piedi per acclamare la PFM. Concerto finito, la band ringrazia il caloroso pubblico romano ed esce di scena. Spettacolo esaltante e di rara bellezza. Impressionante la qualità tecnica d’esecuzione, tanto elevata da suscitare nel sottoscritto forte rammarico nella consapevolezza che il panorama rock italiano non è stato e non sarà mai in grado di raccogliere una simile eredità musicale. Di band così ne nascono una ogni cento anni. Setlist: MUSEO ROSENBACH Dell’Eterno Ritorno Della Natura Il Re Del Circo Zarathustra (suite intera) PREMIATA FORNERIA MARCONI Per un amico Rain Birth River of life Il Banchetto La luna nuova Promenade the puzzle Out on the roundabout Maestro della voce La carrozza di hans Impressioni di Settembre Encore Celebration Leggi l'articolo originale

Review

Miles Kane Don’t Forget Who You Are  2013  Columbia

ll nostro caro Miles Kane ne ha fatta di strada da quando nel 2004 cominciava a muovere timidamente i primi passi con i Little Flames , band di Hoylake nel Merseyside, divenuti poi Rascals in seguito alla decisione della prima voce Eva Petersen di abbandonare il gruppo per intraprendere una carriera da solista. Decisione che ha permesso a Miles Kane di divenire frontman indiscusso della band ed acquisire ulteriore notorietà nella scena inglese. La notorietà si tramuterà presto in fama grazie al progetto parallelo dei Last Shadow Puppets con l’amico Alex Turner(Arctic Monkeys) che consacrerà il suo definitivo ingresso tra le stelle più luminose nel firmamento della gloriosa terra d’Albione raggiungendo immediatamente, con la pubblicazione di “The Age of the Understatement”, la vetta delle classifiche inglesi. Un successo talmente conclamato da convincere Kane ad abbandonare i Rascals ed imboccare la tortuosa strada verso la carriera da solista a soli 23 anni esordendo con “The Colour of the Trap”, album ben accolto dalla critica arricchito oltretutto dalle preziose collaborazioni di Alex Turner e Noel Gallagher. Preziose quanto quelle di Paul Weller, Andy Partridge (XTC) e Ian Broudie (The Lightning Seeds) nel nuovo album ”Don’t Forget Who You Are”, trentadue minuti tirati ed adrenalinici di puro e sano brit rock in ogni sua più colorita sfumatura. Kane, in questa sua ultima fatica, riprende e rivisita il meglio delle sonorità britanniche degli ultimi 50 anni modernizzandole e riproponendole in 11 tracce (14 nella versione deluxe) da ascoltare rigorosamente ad alto volume. Le liriche sono dirette, taglienti, rivendicative e devono molto allo stile e all’attitudine dei primi Jam (facilmente percepibile lo zampino del modfather in tutto l’album) dai quali cerca di raccoglierne un’eredità ancora però molto lontana. Le sonorità devono molto ai vari Lennon, Gallagher, Bolan, Ray Davies, Townshend ed un pizzico anche di Keith Richards perché no. L’album si apre con Takin Over e si viene immediatamente scaraventati nella Londra primi anni ‘70 tutta paillettes e lustrini dei vari T-rex &co con quei riff incalzanti di chitarre fuzz accompagnate da un drumming stomper che ci perseguiterà praticamente per tutto il disco. Si procede conDon’t Forget Who You Are la traccia che da il titolo all’album e le atmosfere desertiche delle sue chitarre rockabilly sovrastate da ritornelli pop-killer con quel la-la-la che stenta a staccarsi facilmente dalla testa seguita da Better Than That ed il suo ritmo in uptempo con quell’hammond e quei coretti dai forti richiami al soul ballato nelle palestre popolari del nord Inghilterra negli anni ’60 e‘70 rivisitato ovviamente in chiave garage rock, analogo discorso anche per First Of My Kind. Con Out of Control si ha uno dei rari momenti nell’ascolto dell’album per poter tirare il fiato assieme a Fire In My Heart, due britpop ballad che sanno molto di Verve grazie soprattutto ai loro archi dolci uniti a chitarra acustica e piano che ci rimandano inevitabilmente ai gloriosi ed irripetibili anni ‘90. Dopo il robusto rock’n’roll di Bombshells e Tonight arriva la feroce ed irriverente You’re Gonna Get It eseguita assieme al “modfather” Paul Weller (si vocifera dell’uscita di un prossimo intero disco proprio in coppia con Miles) seguito da Give Upormai noto brano di lancio dell’album. Il finale dell’album è tutto al tritolo e culmina con la scheggia punk rock Start Of Something Big dal giro di chitarra acida che tanto ricorda quella New Rose dei tanto amati Damned. Beat, 60’s sound, soul, psych, garage, glam, punk, rockabilly insomma tanta carne al fuoco ben distribuita in un album equilibrato, dall’ascolto scorrevole e mai noioso, con riff coinvolgenti, beat martellanti, ritornelli riusciti e doppie voci orecchiabili, sonorità in cui l’artista apporta uno stile tutto suo ridendo in faccia al rischio di cadere nel vortice della rivisitazione sbiadita di generi musicali ormai inflazionati. Non viene sbagliato quindi un colpo in quello che si prepara ad essere uno dei dischi più interessanti del 2013. Eh si, Il nostro Miles Kane ne ha proprio fatta di strada.

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Live Review

Savages @ Circolo Magnolia - Milano 21/05/2013 Stasera al Magnolia si è presentato il pubblico delle grandi occasioni per dare il benvenuto alle Savages. Jehnny Beth(voce), Gemma Thompson (chitarra), Ayse Hassan(basso), Fay Milton (drums) sono quattro ragazze provenienti da Londra, osannate da Pitchfork e dal New Musical Express, nominate ai BBC sound 2013, esordiscono in Italia per il tour promozionale di ”Silence Yourself”, primo disco pubblicato il 7 Maggio per Matador Records/Pop Noire. Un album di qualità (prodotto da John Best, manager anche dei Sigur Ros) da suonare obbligatoriamente ad alto volume, dai forti richiami post-punk e new wave (i paragoni con Public Image Ltd, Magazine, Siouxsie and the Banshees, The Sound, Joy Division si sprecano) che in poche settimane ha letteralmente drizzato le antenne a tutti gli appassionati del genere, accorsi inaspettatamente in massa nonostante il loro semi-anonimato (tipico di una band agli inizi), una debole campagna mediatica ed oltretutto l’annuncio last-minute della loro esibizione italiana. Poco dopo le 23:00, in un atmosfera di forte curiosità ed attesa, quattro esili sagome fanno il loro ingresso nell’oscurità del palco raggiungendo i loro strumenti. La magnetica ed androgina Jehnny Beth impugna il microfono, scambia un breve cenno d’intesa con le compagne e in un onirico scenario fatto di fumi, luci e penombre attacca con City’s Full. Si alza un vero e proprio muro di suono. Chitarre dai continui riverberi acidi e distorti, una linea di basso cupa ed avvolgente con quei giri ipnotici che rimandano irrimediabilmente allo stile del miglior Peter Hook, Fay Miltonche picchia come una dannata la sua batteria e quella voce, rabbiosa e penetrante come poche, che in un attimo investe ed ammalia i presenti conquistandoli all’istante; il pubblico, dopo un solo brano, è già impazzito. Si prosegue con Shut Up, pezzo dai ritmi sincopati e con la nevrotica I Am Here. Senza alcuna tregua le Savages continuano con Strife, affondano il colpo e trascinando la folla in un sonoro girone dantesco fatto di armonie noise-rock, melodie goth dettate da basso e voce che si posano sui ritmi aggressivi ed ansiogeni della batteria. La band, superato l’ostacolo dei primi brani, si rende conto di avere tutti in pugno e comincia a distendersi e prenderci gusto. Jehnny inizia ad interagire con il pubblico tra un brano e l’altro dove per un istante, tutta la carica e l’aggressività fatte emergere fino a quel momento dall’artista, lasciano spazio alla reale fragilità e sensibilità di una ragazza visibilmente emozionata nel suonare per la prima volta qui in Italia, sicuramente colpita dal calore e dal trasporto dimostratole fino a quel momento, come lei anche il resto del gruppo. Si arriva a metà concerto con la suggestiva Waiting For A Signe quei vocalizzi così simili allo stile di Patti Smith, per poi ripartire con Flying To Berlin e No Face , tra i primi singoli realizzati dalla band. I muscoli si contraggono, i nervi si tendono come corde di violino in una frenetica spirale di sessioni ritmiche martellanti e chitarre al limite della velocità. La dose viene rincarata con She Will, singolo forse più riuscito dell’album, con quell’arpeggio di chitarra elettrica effettata e repentini cambi di velocità che acquisiscono ancora più risonanza durante l’esecuzione dal vivo. Stesso discorso vale per Hit Me ed il suo ruggito punk ornato da testi al limite del feticismo autolesionista. La cantante è ormai padrona del palco, si muove sinuosa ed ondeggiante sui suoi tacchi a spillo in continua ricerca di sguardi ed attenzione che riesce ovviamente ad ottenere senza troppi sforzi da un pubblico totalmente calamitato dalla sua presenza scenica. Ci si avvicina così a fine concerto con la dissonante e frenetica Husbands e con l’ultimo stridente brano introdotto da una diretta e sfrontata dedica di Beth rivolta a tutti i presenti : “This song is for every fucking fucker you met in your life. This is called Fucker “. Si conclude così un breve ma intenso concerto (un’ora circa) che ha visto proporre alle Savages quasi tutto il repertorio generato in questo primo anno di vita. Dopo qualche minuto le ragazze escono tra la gente per raccogliere i complimenti e firmare i numerosi cd e vinili acquistati in loco. Le prime sensazioni che emergono lasciando il Magnolia, dopo quattro chiacchiere scambiate con i presenti, sono state quelle di aver assistito ad un evento riuscito sia per capacità tecnica che presenza sul palco. La curiosità e quel pizzico di scetticismo con cui si era partiti, a fine concerto hanno lasciato ampio spazio a piacevoli conferme. Le Savages colpiscono per l’intensità e l’estrema coralità d’esecuzione che le fanno diventare un tutt’uno sul palco capitanate da una grintosa Jenny Beth e dalle sue movenze iancurtisiane che esaltano la potenza e la rabbia dei brani. Il sound sembrerà pure provenire direttamente dal ’79, ma non cade mai nel tranello delle nostalgiche rivisitazioni, risultando comunque innovativo e riproponibile, pronto a farsi prepotentemente spazio tra le moderne sonorità. In conclusione, queste quattro riot grrrls londinesi vanno come treni, tanto da far sembrare il disco solo una scusa per farle suonare dal vivo. Poi dicono che il rock è roba da uomini. SETLIST: City’s Full Shut up I am Here Give me a gun Strife Wating For a sign Flying to Berlin No face She will Hit me Husbands Fuckers  Segui @danflamini Leggi l'articolo originale

Review Primal Scream  More Light  2013  First International

Il 2013 verrà ricordato come l’anno dei grandi ritorni. Prestigiose firme che hanno fatto la storia della scena musicale inglese (e non solo) come Suede, Bowie, New Order, My Bloody Valentine riemergono dopo anni di assenza dalle scene riproponendo, con il loro solito savoir faire e stile, sonorità che in passato hanno dominato le classifiche di tutto il mondo pronte ad imporsi prepotentemente, chi più chi meno, nel nuovo mercato discografico. I Primal Scream di Bobby Gillespie, questa volta però orfani di Gary "Mani" Mounfield (da poco tornato assieme ai suoi Stone Roses), non sono sicuramente da meno e tornano, a cinque anni di distanza daBeautiful Future, con More Light (fuori per la loro etichetta First International). Un album fortemente riconoscibile ma mai nostalgico o scontato che conferma la superiorità oggi di una delle rock band più creative ed ambiziose. Un progetto affascinante, molto più psichedelico dei precedenti e quasi fuori dal tempo, che ammicca al passato ma che si proietta efficacemente nel presente grazie a trascinanti e coinvolgenti sessioni ritmiche che si dipanano in un continuo ed avvincenteloop di contrazioni e distensioni che vanno a comporre la spina dorsale di tutte e 13 le tracce (18 più un remix nella versione deluxe in doppio cd) sulle quali vengono mescolati i più disparati generi e sonorità fatte coesistere tra loro con una naturalezza quasi spiazzante. L’album si apre con 2013 ed il suo giro di sax che si stampa subito in testa posandosi su un tappeto di chitarre distorte (una delle quali appartiene a Kevin Shields dei My Bloody Valentine) e ritmo cadenzato per poi mutare completamente nell’ipnotica ed orientaleggiante River Of Pain. Le due tracce creeranno un’avvolgente e coraggiosa intro di 16 minuti che farà da apripista alla fase centrale dell’album. Un cuore pulsante al ritmo funk dai riff acidi di chitarra in Culturecideaggressiva e sfrontata nei suoi testi di protesta sociale, seguito dalle impressioni shoegaze di Hit Void, le ondeggianti sfumature psych di Tenement Kid e la ritmata Invisible Citycon i suoi richiami garage/post-punk. A metà album si tira un po’ il fiato sulle atmosfere soul bossa-nova e gli assoli di sax della sensuale Goodbye Johnny fino ad arrivare al blues elettrico e grezzo di Elimination Blues con il signor Robert Plant che spunta casualmente tra i backing vocals. Variazione ritmica non solo tra un brano e l’altro, ma anche all’interno dello stesso, come nel caso dell’imprevedibileRelativity, traccia impazzita che parte quasi sottovoce per poi esplodere improvvisamente in un noise-rock martellante e psicotico. In chiusura la contagiosa It’s Alright, It’s OK singolo di lancio dell’album che ha fatto letteralmente impazzire i fan della prima ora col suo groove a metà strada tra un gospel moderno ed una Simpathy For The Devil condita in salsa screamedelica. More Light si presenta quindi come un immenso mosaico armonico costituito da un insieme smisurato di piccoli differenti tasselli musicali egregiamente smussati e incastrati tra loro. Dopo la sbandata presa con con i due precedenti album Riot City Blues e Beautiful Future passati velocemente in sordina, i problemi di droga ed alcool per non parlare di quelli economici, i Primal Scream sono pronti a lasciarsi tutto alle spalle e strappare il biglietto di sola andata verso l’olimpo dei mostri sacri presenti nel panorama musicale europeo contemporaneo con quello che Mojo definisce “il disco più soddisfacente dai tempi di Screamedelica”. L’urlo primordiale di Bobby Gillespie & Co. è tornato decisamente a farsi sentire. Leggi l'articolo originale

Live Review

Calibro 35 @ Teatro la pergola Firenze 15/05/2013


C’è stata un’epoca nel nostro paese in cui l’arte compositiva dei grandi musicisti italiani si metteva al servizio del grande schermo per dare vita ad opere che tutt’oggi fanno scuola nel mondo. Un periodo d’oro che vedeva registi come Mario Bava, Umberto Lenzi, Lucio Fulci, Dario Argento, Elio Petri chiedere collaborazione ai maestri Ennio Morricone, Giorgio Gaslini, Stelvio Cipriani o Riz Ortolani (solo per citarne alcuni) per creare dei vestiti sonori adatti ai propri film, come 4 Mosche di velluto grigio (1971), Casa dalle Finestre che ridono (1976), Una lucertola con la pelle di donna (1971), Il gatto a nove code (1975).
Oggi, grazie al lavoro dei Calibro 35, in “Indagine sul Cinema Italiano del brivido”, tale patrimonio vive una seconda giovinezza. Per la prima volta a Firenze, ad un anno e mezzo dalla precedente ed unica esibizione al Teatro dal Verme di Milano, è stata proposta, nella sontuosa cornice del Teatro della Pergola, una venue particolare, per veri e propri amanti del genere. Una sorta di progetto parallelo in cui vengono messe da parte le colonne sonore dei b-movie poliziotteschi anni 60 e 70, vero e proprio marchio di fabbrica della band milanese, per lasciare spazio e tributare il thriller, il giallo e l’horror. La miscela esplosiva di prog, funk e fusion normalmente riproposto nei normali concerti dei Calibro 35, viene sostituita da atmosfere strumentali inquiete, cupe e perennemente sospese.
Come se non bastasse, per riprodurre al meglio la dimensione orchestrale di quelle colonne sonore, la band sale sul palco accompagnata dalla tromba di Paolo Raineri, dal trombone di Francesco Bucci,dalle percussioni di Sebastiano De Gennaro, dal violino di Rodrigo D’Erasmo (Aftherhours) e dal violoncello di Daniela Savoldi. Due ospiti speciali della serata, provenienti sempre dalla scena indipendente italiana, sono stati la talentuosa Serena Altavilla (cantante dei Blue Willa) e l’eclettico del moog theremin, Vincenzo Vasi, direttamente dalla band di Vinicio Capossela.
Dopo la breve introduzione di Giuseppe Vigna (direttore artistico del Musicus Concentus) si apre il sipario su una esibizione di elevato livello. I Calibro 35 si divertono e fanno divertire per quasi un’ora e trenta minuti il gremito pubblico fiorentino, prendendolo per mano ed accompagnandolo in un suggestivo e coinvolgente viaggio sonoro e visivo (ottimo il gioco di luci sul palco che esalta la potenza delle esecuzioni). Come perfetti alchimisti del suono, giocano ed entusiasmano i presenti mantenendone sempre alta l’attenzione. Merito, oltre la qualità tecnica delle esecuzioni, di una intelligente scelta di 18 brani, prelevati da un vasto campionario cinematografico-musicale, dai ritmi e dalle sonorità variopinte e mai ridondanti che spaziano dall’inquietudine trasmessa dagli archi stridenti e dissonanti e dalle disarticolate sequenze di piano presenti inTrafelato (1971)brano di Morricone, alla psicotica irrequietezza generata da quell’insano giro di cembalo in Tentacoli (1971) di Stelvio Cipriani (traccia presene anche nel poliziottesco La polizia sta a guardare ripreso anche da Tarantino in Grindhouse), attraversando anche sessioni più ritmate come 5 Bambole per la luna d’agosto(1970) di Pietro Umiliani o Rhythm(1972) del grande Luis Bacalov, brani che grazie al loro groove caldo e trascinante hanno scaldato non poco il teatro. Il tutto colorato dalle esaltanti performance di Vincenzo Vasi e del suo theremin durante l’esecuzione di Un tranquillo posto di campagna(1968), eccentrica e sperimentale composizione Morriconiana, e dalle estensioni vocali di Serena Altavilla in Quei giorni insieme a te(1972) di Riz Ortolani che rende pienamente giustizia all’originale interpretazione della Vanoni. Una selezione sonora avvincente, quindi, che riesce a tenere sempre tirato il filo della tensione emotiva in ogni sua sfumatura e che trova il suo momento più alto durante l’esecuzione di Profondo Rosso (1975) della coppia Goblin/Gaslini, per poi terminare dopo una breve pausa con un fuori programma, La morte accarezza a mezzanotte(1972) di Gianni Ferrio.
Si conclude così un evento ben costruito e riuscito in ogni suo minimo dettaglio. Un professionale e appassionato omaggio ai protagonisti di un’era musicale cinematografica e culturale indimenticabile. In chiusura, colpisce l’età media dei presenti: ragazzi che, come il sottoscritto, quaranta anni fa non erano neanche nei pensieri dei propri genitori. Segnale questo, forse, che i Calibro 35 ci sanno fare davvero?



SETLIST
Casa dalle finestre che ridono – Amedeo Tommasi
L’alba dei morti viventi Zombi – Goblin
5 Bambole per la luna d’Agosto – Pietro Umiliani
Cannibal Holocaust – Riz Ortolani
Cannibal Ferox – Budy Maglione
span style="font-size: medium">Shock – Libra
Tentacoli – Stelvio Cipriani
4 Mosche di velluto grigio- Ennio Morricone
Cosa avete fatto a Solange?- Ennio Morricone
Un tranquillo posto di campagna – Ennio Morricone
Una Lucertola con la pelle di donna – Ennio Morricone
Trafelato – Ennio Morricone
Rythm – Luis Bacalov
Quei giorni insieme a te – Riz Ortolani
Allegretto per signora – Ennio Morricone
Il gatto a nove code – Ennio Morricone
Profondo Rosso – Giorgio Gaslini
BIS
La morte accarezza a mezzanotte – Gianni Ferrio 


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Review

Two More Canvases

Two More Canvases

2013

Autoprodotto

 

Yuri Salihi (voce, chitarra), Giulio Maria Di Salvo (voce, chitarra) Tommaso Carlà (basso), Tommaso Brandini (tastiere) e Alessio Bambi (batteria) sono i Two More Canvass. Band giovanissima (età media 18 anni) proveniente da Firenze e dintorni che in soli otto mesi di esistenza ha già inanellato una serie di primi  importanti risultati; su tutti la prestigiosa partecipazione al Rock Contest indetto da Controradio di Firenze (dopo aver superato una selezione tra otre seicento band) nonché prima scelta per aprire le date italiane del tour europeo degli spagnoli Cut Your Hair. Una precocità anagrafica praticamente impercettibile grazie oltretutto alla forte personalità  espressa nell’esecuzione dei cinque brani presenti nell’omonimo EP autoprodotto registrato negli studi El-Sop di Sesto Fiorentino, uscito a fine Marzo. Una notevole qualità tecnica che basa la sua forza sull'impatto armonico delle chitarre elettriche, una serrata base ritmica ed il particolare alternarsi delle due voci con melodie che a tratti riconducono alla mente il calore timbrico di Chris Martin e la particolare intensità di Luke Pritchard. Il suono di queste tracce è facilmente, forse anche eccessivamente, riconoscibile. I Two More Canvass attingono a piene mani dall’indie rock britannico ed oltre-oceanico dell’ultimo decennio  a cominciare dalla chiara somiglianza ai Libertines in “Unclean Babe”, a quei riff tirati stile Strokes in “All my doubts” o alle parti ritmiche e le melodie vocali fortemente riconducibili ai Kooks in “Inner”. Il discorso cambia con le due successive tracce, I’m not dead yet (singolo di lancio) e Desirèe, di superiore maturità compositiva in cui emerge sicuramente più originalità. Un esordio nel complesso molto interessante e, data la rigorosa scelta delle liriche esclusivamente in inglese, un progetto coraggioso ed ambizioso. The kids are alright, i presupposti ci sono tutti, una band sicuramente da tenere d’occhio .

Review

Extra Medium Pony 

11868 
2013 Exit Stencil Recordings 

Tutto inizia nel 2010, quasi inaspettatamente. Il cantante, chitarrista e compositore Rick Spitalsky (già noto nella scena indipendente di Cleveland per aver suonato con, Nicholas Megalis, Herzog, Afternoon Naps e Dreadful Yawns ) pubblica un EP intitolato “Middle Pony”. Un semplice esperimento solista, un progetto parallelo di sette tracce scritto durante una pausa invernale dalla sua ultima band. L’EP diviene in poco tempo una hit locale tanto da costringere Rick ad assodare due amici, Jimmy Frysinger (batteria) eBen Gmetro (basso) per poter riproporre le sue canzoni anche dal vivo.  Così, in meno di un mese, gli Extra Music Pony (nome che trae inspirazione durante un delirante viaggio del gruppo verso Minneapolis) sono formati e pronti a cominciare il loro tour. Sull’onda di questo positivo esordio, esattamente due anni dopo esce l’album di debutto ”11868”. L’album, inizialmente autoprodotto, calamita subito le attenzioni di Rolling Stone e successivamente anche quelle della Exit Stencil Recordings etichetta indipendente di Cleveland costretta immediatamente alla ristampa di quest’ultimo causa esaurimento copie. Un’ escalation continua ed inaspettata che porta attualmente la band ad essere tra le più fruite nelle college radio statunitensi arrivando oltretutto ad occupare i piani alti delle chart di CMJ (nota compagnia di promozione newyorkese trampolino di lancio per i migliori nuovi talenti nel panorama musicale mondiale).  Le 18 tracce, della durata media di due minuti l’una, entrano in testa al primo ascolto, pura scarica adrenalinica. Chitarre pulite e veloci unite ad una ritmica incalzante, figlie quasi di un minimalismo post-punk, permettono di non generare mai dei cali di attenzione durante l’esecuzione di tutto l’album. Un’energia sprigionata che va fortemente a stridere con la cupezza, il cinismo, la frustrazione ed il risentimento espressi nelle liriche. Ogni singolo brano trae infatti ispirazione dalle recenti difficoltà relazionali e conseguente rottura dei rapporti di Rick Spitalsky con l’ex fidanzata, a cominciare proprio dal singolare nome dell’album, nient’altro che il numero di appartamento in cui convivevano. Testi in cui emerge tutta l’abilità di scrittura dell’artista riconosciuta ed apprezzata anche da Rolling Stones che ha definito “11868” il miglior album sulla fine di una relazione del decennio, affermazione di base molto goliardica ma che ha comunque generato forte eco attorno alla band. Le sonorità appartengono ad un indie rock di matrice prettamente anni 90. Si parte con You and Me ed Eve ballate in stile lo-fi che riportano subito alla mente band come Pavement o Sebadoh, si prosegue con brani che rimandano ad un grunge “nirvaniano” come Sunflower o Settle Downaffiancati da cenni di noise rock stile Pixies con Junk Yard o un alt-rock dalle venature pop presenti in You Sleep e Lucky. Il resto dell’album è prettamente indie pop con pezzi dal forte appeal radiofonico e ritornelli facilmente orecchiabili come Sea Glass, It Don’t Feel Right, I’m So Bored o Falling Apart. Per concludere, “11868” è un album fresco e dal facile ascolto che non farà sicuramente gridare al miracolo, ma che tutto sommato, grazie all’abilità compositiva di Spitalsky, si presenta ben strutturato e dal forte impatto sonoro.

Review

Salmo  Midnite  2013 Tanta Roba

L’esordio al numero uno della classifica F.I.M.I. nella top ten degli album più venduti in Italia, stessa sorte per quanto riguarda il digitale nella classifica Itunes, le 500.000 visualizzazioni raggiunte a qualche giorno dal caricamento su Youtube del singolo Russell Crowe (tra i più venduti in Italia e primo su iTunes) credo siano dati sufficientemente utili per poter definire ”Midnite (prodotto da Tanta Roba e distribuito da Artist First) l’album consacrazione di un artista dall’indiscutibile talento compositivo.  Dopo l’affermazione di “The Island Chainsaw Massacre”,Salmo raggiunge lo stadio più alto in una carriera che lo ha visto partire da zero e farsi strada da solo senza l’aiuto di alcuna giostra mediale. Una escalation possibile solo attraverso coerenza, costanza, le giuste intuizioni collaborative ma soprattutto una maniacale cura delle forme virali di comunicazione. Negli ultimi due anni la quantità di mixtapes, singoli e release non ufficiali con annessi video self-made di elevata qualità hanno contribuito a creare attorno a Salmo una visibilità tale da costruire, beat dopo beat, un solito seguito nella scena rap underground fino addirittura a calamitare le attenzioni del pubblico mainstream più distratto o non amante del genere. Salmo irrompe nell’attuale panorama musicale italiano con un rap potente ed innovativo allo stesso tempo. Le sue liriche aggressive, dirette e piene di citazioni sono un rigurgito generazionale verso una dimensione terrestre sempre più fittizia e lontana da ogni logica di stabilità. Un’attitudine, figlia prettamente del background hardcore in cui l’artista è cresciuto, che fa tornare l’essenza del rap al suo stato brado, ovvero rendendolo in grado di convogliare attraverso una base strumentale ed un microfono tutta la rabbia e il disagio e di trasformandole in rottura, rifiuto incondizionato della realtà. Un’ indole più realista e “di strada” che dà la scossa ad un rap italiano oggi sempre più annichilito e patinato, salvo qualche eccezione. In “Midnite” Salmo si fa traghettatore inconsapevole di una generazione sempre più sofferente ed impotente ma che ha voglia di urlare in faccia a tutti la propria frustrazione, senza alcun filtro, nuda e cruda portandola ai limiti estremi. Un sound oscuro e ruvido ricco di contaminazioni che spaziano da violente basi synthpunk e dubstep che sparano diretto in faccia tutto il malessere e l’inquietudine della nostra epoca per poi rallentare e mescolarsi a brani più morbidi dai beat più convenzionali , sfociando in alcuni casi in retaggi reggae da dancehall. Sonorità forse non particolarmente avanguardiste a livello internazionale ma che portano una forte ventata di cambiamento nel rap nostrano. Merito, oltre ai brani autoprodotti, anche delle numerose collaborazioni presenti. Su tutti i Cyberpunkers, massimi esponenti a livello mondiale della musica elettronica oltre a Shablo, Big Joe, B.Gil, Stabber e Anagogia. Featuring di tutto rispetto anche nel rappato con Nitro, Noyz Narcos , Mezzosangue, Gemitaiz e Madman. Fin dal primo ascolto l’album appare complesso e ricco di sfumature dove è difficile trovare una continuità sia sonora che concettuale tra una traccia e l’altra durante la durata dei 42 minuti. L’unica prospettiva dalla quale si può partire per un qualsiasi tipo di interpretazione è il concetto di mezzanotte sviscerato in ogni sua formula in tutti e 13 i brani . Una mezzanotte terrestre eterna, un'ora zero che blocca il progredire del tempo e impedisce lo sbloccarsi della situazione desolante di precarietà ed immobilismo forzato dei nostri tempi. Uno spazio concettuale in cui non c’è una via d’uscita se non nello scetticismo espresso verso il fallimentare sistema politico odierno in Old Boy, nella denuncia sociale e conseguente chiamata alle armi in nome di Rob Zombie, nel rifiuto dell’insana ricerca del successo facile ed immediato attraverso i talent show in Russel Crowe oppure in quella perenne sensazione di alienazione che prima o poi troverà sfogo nella violenza in un giorno di Ordinaria Follia o nelle derive feticiste di Sadico. Una dannazione che si proietterà irrimediabilmente negli scenari fantascientifici del futuro apocalittico ed infernale diWeishaupt dal quale non si potrà far altro che fuggire come espresso in Space Invaders. Una prospettiva fin qui catastrofica e disillusa che va a stridere fortemente con le altre tracce dell’album più introspettive e riflessive. I beat rallentano, la voce da rabbiosa muta e assume toni quasi confidenziali. In S.A.L.M.O. l’artista si apre dando una traccia di speranza esortando a non mollare, ad andare avanti esattamente come lui, nella continua ricerca di una direzione da prendere. Fino ad arrivare all’ultima traccia, Faraway, una ballata inaspettata ma comunque intensa, ben riuscita, mai banale. Un album quindi dal ritmo “sincopato” spiazzante ed imprevedibile che colpisce l’ascoltatore accentuando quella sensazione di paranoica instabilità volutamente espressa dall’artista. Tutto questo viene accentuato dall’ innata capacità di Salmo nel descrivere la realtà con estrema credibilità e crudo realismo non preoccupandosi minimamente di raggiungere il consenso più ampio ma proseguendo per la sua strada, prendendo le distanze dal mondo circostante ma allo stesso tempo immergendosi in esso filtrandolo attraverso i suoi occhi. In conclusione “Midnite” racchiude la prospettiva dura ma sincera di un artista dannato e complesso, risorto dall’inferno per portare nel panorama rap italiano un progetto musicale di innegabile portata rivoluzionaria.  Vai all'articolo originale

Review

Calibro 35  Said (colonna sonora originale)  2013  Tannen Records

Torna il Record Store Day, giornata mondiale a favore dei negozi di dischi indipendenti volta a celebrare il fascino del supporto fonografico che, nonostante le nuove tecnologie e l’avvento esponenziale di una politica sempre più “liquida” della fruizione musicale (su tutti il recente lancio in Italia del colosso Spotify), ancora oggi continua a reggere il colpo ed avvicinare un’ingente fetta di pubblico tra ultimi romantici e cultori di sempre e nuove leve affascinate da questo strano oggetto in pasta vinilica di forma discoidale. Il progetto nasce in USA nel 2007 ed ogni anno coinvolge centinaia di artisti internazionali che oltre ad apparizioni speciali, performance, incontri e accoglienza con i propri fan, sono mossi a produrre nuove registrazioni o particolari riedizioni in cd o vinile da pubblicare proprio in occasione di questa giornata particolare. Il tutto volto ad una sensibilizzazione culturale e successivo incentivo all’acquisto (con costi appositamente ridotti per l’evento) in modo da poter regalare così una boccata d’ossigeno ad uno dei settori più colpiti dell’attuale crisi del mercato discografico. Nel panorama musicale italiano, i Calibro 35 sono tra gli artisti ad aderire più sensibilmente all’iniziativa decidendo di far uscire il 20 aprile, rigorosamente su supporto vinilico per Tannen Records, Said colonna sonora dell’omonimo film italo-spagnolo dei Drop Brothers prodotto nel 2009. Una pellicola di 90minuti cruenta e in perfetto stile blaxploitation, colma di eccessi di violenza e di sesso, storie di prostitute, trafficanti di droga e assassini di professione, una celebrazione contemporanea e di alto livello dei B-movie anni ’60 e ’70. Il film in questione (in streaming su YouTube a partire dal 19 aprile) viene interamente musicato da Martellotta & Co. proprio come facevano le orchestre per il cinema italiano anni ‘60 e ’70, ovvero registrando in diretta mentre la pellicola scorreva sullo schermo (una formula che permetteva di risparmiare tempo e denaro). La registrazione è stata eseguita in tre giorni negli storici studi romani del Forum Music Village fondati da Morricone, Bacalov, Piero Piccioni e Armando Trovajoli. Sicuramente una notevole prova per la band che si cimenta in qualcosa di totalmente nuovo ma in perfetta linea evolutiva con il loro stile, ormai riconosciuto a livello internazionale. Una sfida superata nel migliore dei modi. I Calibro 35 riescono a vestire egregiamente i personaggi dando ulteriore colore ed enfasi alle scene grazie al loro approccio dalle ritmiche dure e i raffinati affreschi orchestrali. Il disco suona una miscela esplosiva di prog, funk e fusion arricchita da nutrite sezioni di fiati, riff ripetitivi di chitarre fuzz o wah-wah, organi hammond e linee di basso dal groove caldo e trascinante; un sound coinvolgente divenuto ormai vero e proprio marchio di fabbrica della band milanese. Forti della loro abilità tecnica i Calibro 35 non hanno riscontrato difficoltà nel ricreare le giuste suggestioni, a cominciare dalla carica adrenalinica espressa in Notte di violenza per passare poi ad atmosfere più distese presenti nel Tema di Blue o più sensuali in Erotismo, proseguendo con la suspense e l’inquietudine espresse inTensione e Sangue dal Sol Levante o Risoluzione con quel giro malinconico di celesta (la stessa utilizzata da Morricone), riuscendo così a far godere di vita propria ogni singolo pezzo nonostante l’assenza delle immagini, diretta fonte d’ispirazione per la creazione dell’intera colonna sonora. L’evidente supremazia di inediti lascia spazio però a due preziose collaborazioni che danno all’album quel valore in più. La prima è l’ottima rilettura di Ragazzo di strada interpretata da Manuel Agnelli (Afterhours). Mai artista più indicato per intensità d’interpretazione espressa grazie ad un timbro di voce graffiante e rabbioso, in grado di rendere pienamente giustizia allo storico brano dei Corvi. La seconda collaborazione è invece con Francesco Forni, cantautore partenopeo che ci regala una Don Vito ricca di pathos e trasporto. Con Said i Calibro 35 danno nuova vita ad una tradizione cinematografico-musicale che il mondo tutt’oggi ci invidia, riportando in auge e rivisitando in nuova chiave interpretativa sonorità tipiche dei migliori film di Bava, Lenzi o Di Leo.Quando eravamo Re. Vai all'articolo originale